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L'objectif général de cette séquence est de découvrir des exemples d'utilisation originale et novatrice de timbres vocaux ou instrumentaux dans les musiques du XXème siècle. Egalement de découvrir qu'un compositeur, consciemment ou inconsciemment, compose presque toujours une musique qui s'inscrit dans un contexte ou un espace particuliers, donc dans l'histoire ou la culture particulière à un continent, un pays, une région, avec ses traditions. Malgré ce, certains codes, certaines expérimentations s'échangent d'un continent à l'autre, du fait de voyages, ou de l'exil, et des rencontres entre musiciens, ainsi que par la diffusion de plus en plus aisée des oeuvres. Par-dessus tout, la musique est un vecteur de témoignages d'impressions, d'opinions, et un moyen de maintenir le souvenir du passé qui puisse se transmettre aux générations futures.

En ce qui concerne la musique, la question transversale est : 
Un compositeur peut-il utiliser la voix humaine comme matériau musical à part entière au XXème siècle ?
C'est-à-dire, la voix peut-elle être considérée comme un instrument comme un autre dans une composition contemporaine ? 

Nous entrerons dans cette problématique par le biais de deux domaines :
- le timbre et l'espace (Quatuor à cordes, bande magnétique, sample - échantillon, nouveaux outils : Micro-sampler,clavier-échantillonneur, notion d'hétérophonie), 
- le successif et le simultané (Juxtaposition et superposition de masses sonores, accumulation et répétition de motifs, de phrases musicales, procédés d'écriture : déphasage, ostinato) 
Style : mouvement minimaliste américain.
Une écoute affinée, axée sur des détails des oeuvres, sera demandée aux élèves. Il leur faudra s'attacher à distinguer des éléments précis dans une masse sonore par le biais d'exercices sur des fragments de l'oeuvre.

locomotive

Projet musical : Get on board little children, un negro spiritual dont nous interprèterons la version de Don Raye et Gene de Paul.
Une basse dans le style Boogie-Woogie accompagne le morceau. Ce style est dérivé du Blues, dont il conserve les accords (Ier-IVe-Ve degrés) mais dédié à l'interprétation de celui-ci au piano et en adoptant le style Swing (interprétation ternaire d'un rythme binaire). La main droite improvise normalement sur la grille revisitée. Ce style fait allusion au mouvement répétitif des roues du train (double percussion répétitive). Voici un exemple de basse de Boogie.

ext partition gospel

Le Negro Spiritual est un métissage des chants africains des esclaves et de la musique liturgique protestante. De par leur condition, les esclaves s'identifiaient aux Hébreux opprimés par les Egyptiens, puis libérés par Moïse. Un élément important s'ajoutait à ce répertoire : ces chants comprenaient des codes secrets dans les paroles, qui aidaient à leur fuite vers le Nord. Il existait une organisation nommée Underground railroad dont le "chef de train" était un passeur qui les aidait à trouver leur chemin et à se cacher. Les "stations" étaient des caches potentielles, les esclaves risquant les pires sévices ou la mort s'ils étaient repris.
On estime entre 40000 et 60000 esclaves qui ont pu s'enfuir du Sud grâce à ce dispositif. Pour en savoir plus consulter ce lien.
Je n'ai pas pu trouver la version que nous travaillerons, mais il existe une autre version simplifiée et souvent interprétée par des chorales ou groupes américains dont voici deux exemples.

Je les trouve aussi géniales l'une que l'autre, et je me suis donc essayée à un arrangement personnel qui vaut ce qu'il vaut.
La partition : Get_on_board_spiritual_ ; et la fiche élèves : Get_on_board_little_children_eleve

Enregistrements réalisés en classe : 

3èmeA

3èmeB

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Steve-Reich

Oeuvre principale : Different trains de Steve Reich (compositeur américain né en 1936)
Interprétation par le Smith Quartet.

Voici une fiche de synthèse de l'analyse de l'oeuvre : Doc_prof_Different_Trains_1 ; 

L'oeuvre date de 1988, elle a été composée pour bande magnétique et quatuor à cordes. Elle est rattachée au mouvement minimaliste répétitif américain.
C'est la première oeuvre qui utilise la voix parlée enregistrée comme matériau musical à part entière, le fait qu'il s'agisse de témoignages lui donne une dimension historique et documentaire.
D'autre part, la présence d'un écran derrière les musiciens lors du concert lui donne un caractère documentaire, revendiqué par le compositeur, qui a voulu créer un nouveau genre :

le théâtre multimedia (musique, documentaire, video).

Dans cette oeuvre, Reich explique qu'il a mis en parallèle l' Histoire du monde, à travers le transport des juifs vers les camps d'extermination par les nazis durant la seconde guerre mondiale, et son histoire personnelle, à savoir ses voyages personnels en train avec sa gouvernante, lors de son enfance, pour retrouver ses parents divorcés d'un bout à l'autre des Etats-Unis.
La musique est un mélange d'enregistrements d'interviews de tous les protagonistes (sa gouvernante, des employés du chemin de fer, de rescapés des camps), et de sons de sirènes de trains américains et européens de l'époque).
Après avoir réalisé ces enregistrements, Reich a découpé des samples (échantillons), leur a appliqué des effets (duplication, répétition, coupes) qu'il a combiné avec 3 quatuors à cordes qui jouent un accompagnement évoquant le train, basé sur l'alternance irrégulière de deux notes.
Ensuite, il a transcrit les intonations des voix en notes musicales, qu'il a confiées au quatuor.
Nous avons donc des voix et instruments pré-enregistrés, dont les interventions sont déclenchées par un clavier-échantillonneur, et un quatuor qui joue sur scène, en live.
On appelle cela de la musique mixte (à la fois acoustique et électronique).
Steve Reich utilise des procédés d'écriture comme l'ostinato (répétition incessante d'une formule mélodico-rythmique) et le déphasage (répétition qui subit un décalage léger ou net entre deux pistes, ce qui crée un effet d'écho, de flou sonore, de façon plus ou moins progressive).
La découpe de l'oeuvre en 3 parties (America before the war, Europe during the war, after the war) fait penser au genre du Concerto.
Cependant, un concerto adopte pour chaque mouvement un tempo défini qui ne varie pas (Vif - Lent - Vif).
Ici, à l'intérieur d'un même mouvement, on trouve de nombreux contrastes, de tempo, mais aussi dans le rythme et la mélodie, car la musique est entièrement au service du texte.

Nous allons tout d'abord écouter l'oeuvre, puis après un échange d'impressions, nous lirons le texte qui se trouve dans la pochette de l'album de Reich, dans lequel il décrit la genèse de l'oeuvre et ses intentions artistiques.
Doc_prof_Different_Trains_2 ;Doc_eleve_Different_Trains_2 ; 

Nous visionnerons ensuite une interview de Steve Reich réalisée pour la chaîne Arte
dans laquelle il apporte des éclairages qui donneront lieu à un questionnaire (voir la fiche 2).



Nous allons analyser plus particulièrement l'utilisation des timbres et les procédés d'écriture employés, en nous appuyant sur le texte.
Doc_prof_Different_Trains_3 ; Doc_eleve_Different_Trains_3 ; 

Nous ferons des exercices de reconnaissance visuelle et auditive basés sur la relation entre la voix et les cordes
et l'utilisation d'un musicogramme sur de courts extraits du mouvement.
J'ai créé un fichier ralenti pour chaque extrait parce que ça va très vite tout de même.
Doc_prof_Different_Trains_exercices ; Doc_eleve_Different_Trains_exercices ; 

Oeuvres comparatives : 

nuit et brouillard ferrat

1) Une chanson célèbre : Nuit et brouillard composée et interprétée en 1963 par Jean Ferrat (auteur-compositeur-interprète français, 1930-2010). 

Nous comparerons ces deux oeuvres :
-sous l'angle du parallèle histoire / histoire personnelle : le père de Ferrat fut lui-même déporté et mourut à Auschwitz.
Ici il s'agit de la directive Nacht und nebel signée en 1941 par Hitler pour la déportation et l'extermination de toute personne qui représenterait une menace pour le IIIe reich opposants politiques). Cette chanson subit une censure à son époque, car la France n'est pas encline à regarder son passé de collaboration de trop près à ce moment).
-au point de vue musical, on trouve l'utilisation d'un rythme obstinément répété d'abord par la timbale puis qui se propage à d'autres instruments. Rythmique qui peut représenter le train, aussi bien que le peloton d'exécution.
La formation est différente, la voix est accompagnée par un petit ensemble d'instruments (guitare, piano, cordes et cuivres). La musique est ici tonale, avec une alternance entre les modes mineur et majeur. Des effets dramatiques basés sur les nuances et le ralentissement en fins de phrase ajoutent au caractère dramatique au texte.

Voici la fiche qui contient le texte et la comparaison (elle ne sera donnée qu'après que les élèves aient travaillé en autonomie).
Comparaisons_Reich_Ferrat_1 ; 

En ce qui concerne les oeuvres comparatives, nous nous attacherons à repérer si les notions musicales que nous avons abordées se retrouvent ou pas dans les autres oeuvres, ou si elles en emploient d'autres. 
Dans l'ordre (extraits d'une minute maximum) : 

Nono2

2) Ricorda cosa ti hanno fatto a Auschwitz (1966) de Luigi Nono (compositeur italien, 1924-1990). 

Musique strictement électroacoustique qui fait entendre des voix et instruments préenregistrés et retravaillés, assortis d'effets (par exemple l'effet Doppler - impression que l'on a lorsqu'une voiture arrive à l'horizon, passe près de nous et s'en va au loin).
Contrairement à S.Reich, il n'y a pas de texte, il s'agit de vocalises qui peuvent aussi s'apparenter à des hurlements fantômatiques (comme les esprits des personnes gazées). Il n'y a pas de pulsation repérable. Des bruitages métalliques assortis à des sifflements suraigus évoquent l'univers concentrationnaire et les chambres à gaz. 
C'est aussi une oeuvre narrative qui est engagée dans le devoir de mémoire. Son objectif est de bouleverser émotionnellement l'auditeur, de lui faire ressentir l'inhumanité des agissements nazis. Elle est en elle-même une engagement à ne jamais oublier et surtout à empêcher que cela puisse se reproduire.

Pierre+Schaeffer

3) Etude au chemin de fer extraite des "Cinq études de bruit" (1948) de Pierre Schaeffer, compositeur français de musique concrète (1910-1995). C'est aussi une musique strictement électroacoustique, basée sur des enregistrements de trains découpés en samples qui forment une succession de petits moments sonores dans lesquels on retrouve un constraste dans les tempos comme dans les rythmes, des bruits de sifflets, et le procédé de la répétition variée. Nous retrouvons également un caractère documentaire dans cette oeuvre (elle constitue une archive des bruits de train de l'époque des enregistrements).

Schwitters ursonate

4) Ursonate (1922-1932) de Kurt Schwitters (peintre et poète allemand, 1887-1948).
Schwitters créa le mouvement Merz, proche du mouvement Dada mais indépendant de celui-ci.
Il désigne sa pièce sous forme de "Sonate de sons primitifs" dont le 3e mouvement que nous écoutons est le Scherzo, basée sur des phonèmes et des onomatopées (transcription phonétique des lettres d'un texte).
Ici le compositeur questionne les sons qui deviennent un discours à part entière. Les moyens phonétiques employés reproduisent le travail de l'orchestration d'une sonate.
C'est un solo vocal a cappella interprété ici par Jaap Blonk.

anne-james chaton

5) Deux pièces de Anne-James Chaton (compositeur et performer français né en 1971) 
a) The King of Pop is dead (extrait de l'album "Evènements 09", 2011).
Il s'agit ici du mouvement de la poésie sonore, un mouvement proche des Futuristes ou des Situationnistes.
L'artiste lit diverses listes (factures, documents administratifs, etc) ou articles de journaux sur un ton atonal, qu'il organise en forme de portraits au caractère universel.
Il utilise un matériau minimal : une voix parlée, un ostinato constitué d'un sample (échantillon de discours) superposés.

b) PRINCESS IN A ROVER P6 3500S V8
Accompagnée des impros d’Andy Moor à la guitare électrique, la voix évolue au-dessus d'un ostinato et de nappes de sons mixtes ainsi que des enregistrements de voix d’une princesse célèbre (Grace Kelly) en background. On retrouve ici la notion de trame sonore.
A.J. Chaton na cache pas l’influence de John Cage (Ready-made) et de Steve Reich (musique répétitive, ostinato, usage de samples) sur son travail.

Terry_Riley

6) In C (1964) de Terri Riley (compositeur de musique minimaliste américain né en 1935).
L'oeuvre est composée pour 35 instrumentistes (mais le nombre et les instruments uilisés sont libres). 
Elle est découpée en 53 phrases (motifs). Riley utilise le procédé de l’ostinato (do en croches à l’octave) qui joue le rôle de pulsation. La répétition et l'énumération libre des phrases va donner lieu à des superpositions progressives de motifs.
Le procédé du déphasage est dû aux divers temps de changement de motif entre les instrumentistes.
On assiste ici à la construction d’un tapis sonore qui tourne lentement sur lui-même à la façon d’un kaléïdoscope.

Les documents récapitulatifs de ces oeuvres : Comparaisons_Reich_2 ; 

La fiche des élèves consiste en une mise au point du vocabulaire musical concernant les domaines abordés, il faut choisir les notions qui sont en rapport avec les oeuvres comparatives dans une liste. Travail que nous ferons dans le livre numérique dont le lien sera donné aux élèves de 3ème.

Comparaisons_eleve ; Fiche_de_correction_comparaisons_eleve ; 

Histoire des arts (Thématiques)
Piste d'étude 1 : Arts, Espaces, Temps
L'oeuvre d'art et l'évocation du temps et de l'espace
L'oeuvre d'art et la place du corps dans le monde et la nature

Piste d'étude 2 : Arts, Etats et Pouvoir
L'oeuvre d'art et le pouvoir (oeuvre engagée, contestatrice)
L'oeuvre d'art et la mémoire


03-Gestalt-Sarg Vasarely

L'oeuvre de Victor Vasarely (site à visiter pour en savoir plus sur les liens de son oeuvre plastique avec les mathématiques et la musique).
ci-contre : Gelstat-Sarg (1969)

L'oeuvre d'Anthony Rousseau (Sampling Stories 2000-2001), dans la catégorie des Arts numériques. Le visionnage nécessite l'exécution de Shockwave Flashplayer. Appuyez sur n'importe quelle touche du clavier pour entendre les samples préenregistrés. 

Art et minimalisme : Le travail de Carl André, artiste minimaliste américain.

Carl Andre, 144 Graphite Silence, 144 graphite cubes, 10 x 340 x 340 cm
144 Graphite Silence

Raoul Haussman K'PERIOUM, poème optophonétique (1918)

Raoul Haussmann, KP'ERIOUM Poème optophonétique, 1918

 

La fiche d'auto-évaluation : 3s3_Auto_evaluation ; 
La fiche de synthèse de la séquence : synthese3s3

ecole_livre25

Le livre numérique dans lequel vous pouvez réviser la séquence, faire des exercices interactifs et consulter les liens HDA.